扫一扫 手机看从古至今，凡是有关艺术的争论，大多数涉及的都是艺术家与自然的关系。人，体现为艺术家;而人类所赖以生存的自然，则体现为艺术家创作艺术的题材。假设艺术家的唯一目的是描绘所见世界和他所见的事物，那么他在不同的历史时期所表现的自然也就会大不相同。虽然我们可以对不同历史时期艺术家所描绘的互不相同的视觉形象做出各种解释，但是我们最后仍不可避免地要这样来了解:艺术家所画的是他要看见的东西，也就是那种被称为自然的抽象物的一种人的或个别的变体。
但作为普遍的、杂乱的自然与作为艺术家的人之间存在着一定的矛盾。当人类了解到事物是怎样发生和为什么发生之后，人类便能尽量地自我控制，或者试图使自己适应所处的环境，或者试图改变所处的环境。而艺术就像农艺和建筑一样，是把人的意志诉诸于事物的方法，在大多数历史时期的大多数文明中，人们都是这样来看待艺术的。艺术家在对待自然的态度上或者说在面对视觉自然的现象时会有一个双重的标准。
说到标准，我们必须回到诸如塞尚这位典型的外在自然的艺术家的评价中，因为他建立的视觉自然是有目的性的，是有分寸的“自然主义者”。塞尚从不认为绘画的任何传统方式是天经地义的和神圣不可侵犯的。当塞尚发现透视画法不能胜任“再现”自然真实的任务时，他便强化了自然主体的物理属性，创造了他认为真实的一种空间的维度。在描绘过程中，所有绘画艺术都是以牺牲现实"真实和视觉形象的强度为代价的"。在塞尚的造型原则中，出现了宁静而均衡的画面，坚实而稳定的物象。于是塞尚不再以摹写自然的表象为己任，而是致力于表现艺术家自身对自然真实性的认识和理解，即抓住事物外表下面的真实。显而易见的是现代艺术家的准则是真实，而不是美。文艺理论上有一个传统的说法，艺术家的头脑是加工厂，自然是它的原料，而艺术作品则是它的产品。这作为一个比喻用来说明艺术和生活不可分割的联系，艺术家在视觉的启发下，而且远离了艺术表现直觉自然的准则，由此说艺术是被艺术家创造出来而不是用自然的原料生产出来的。自然，只有经过艺术家心灵的凝聚、融化、裂变、升华才能进入艺术，而一旦进入艺术，便无法再使之还原、现实化，恰如植物借助阳光、空气、水分及养料而生长，但当植物一旦发育、开化、结果，那时作为原料的一切便消失得无影无踪，那是旧质的扬弃，新质的诞生。因此，从本质上来说艺术是心灵的产物，人类之所以要创造艺术，就是为了借助于外在事物表达自己的感情，实现自己的心灵。
这样说来，在艺术创造过程中，人类对客观世界是实行一种观念性的改造，人类只是在意识形态领域里实现着自身的目的，是“用想象和借助想象去征服自然力”。这里我想引用罗斯金在《论现代画家〉一书中关于想象力所说的一段话:“最高想象力掌握的方式通常是这样的:它决不停留在事物的表面或遗迹上;而是将这些东西放一边，深入到火热的内心深处。任何别的东西都满足不了它精神上的需求;不管它的主题具有何处外表和怎样的外在表现和样式都无用它会进入所有的篱笆，把一切连根砍掉，吮吸生命的精华；一旦到了这一步， 它就会自由地任意培育出新的嫩枝，然后按其所好加以修剪盘绕，使之结出比在原树上更美好的果实；但这些修剪和盘绕工作是它所不喜欢的，而且常常做得很糟糕;它的功能和天赋是抓住根部，其性质和品格的高低取决于它如何抓住事物的心脏。把它的手从跳动的心脏拿开，它就不会再有预见它不正视人的眼睛，它不凭声音去判断，它也不做外部特征的描绘;它所断言、判断和描述的一切，都是根据事物的内部实质确定的。”
由此可以看出，艺术家必须解放思想，摆脱客观世界种种现实条件的束缚，抛开自然法则诸多因素的限制，进入一个自由的世界，才能表现种新的视觉，一种新的和谐，一种思想的美,一种艺术家想象与修饰的真实。然而自然中含有构成艺术品的一切因素，包括色彩与形式。但是艺术家必须能够从自然中挑选这些因素，并将它们与观念结合起来，直到使其从混乱中产生完美的和谐。
也许有人会说所有这些都是沉湎于空想的理论，还是来探究以下事实。我们可以通过如下表述来理解自然、人、艺术之间的密切关系：(感知阶段的第一重转化)客观物象——( 第二重转化的构思阶段)心理表象——( 第三重转化的表现阶段审美意象)——艺术形象诞生。
可以看出，从开始到终结，艺术家的主体作用是多么重要，他对客观生活决不是被动的、消极的。艺术创造必须以自然为起点，然而必须以腾凌自然为重点，它是一种高级的人类精神活动。艺术制作的过程不是纯客观的如同自然的镜子和照相机式的反映，也不是纯主观的臆想玄思，而是艺术家主体经过审美感性之后与自然不断感应、遇合、沟通，不论是弗兰西斯·培根所说的“艺术是人与自然的相乘”，还是凡·高所说的“艺术是人被加到自然中去”，都是极富真知灼见的。只是艺术家在面对自然时由于其所在时期的社会角色的不同，对自然的理解也仁者见仁，智者见智。莫奈这位印象派大师与塞尚对自然有着不同的理解。前者表现的是对自然直觉的智慧，后者则表现了理性自然的更高法则，而使自然有了更准确的艺术秩序，彰显出了生动性与艺术的不可替代性。其实中国几千年的传统告诉我们应明白"搜尽奇峰打草稿"的道理，这个道理是经典的，显示了中国画在面对自然时的人性化原则和独特的审美视角。自然只是一个审美符号，因此才有了范宽的〈溪山行旅图》这幅名震世界的作品。中国人是在艺术作品中审视自然、改造形态为我所用的大师，是不可替代的精神贵族，更主观而更有活力。
然而在这个主观见之于客观的过程中，艺术家主体在一定程度上是受制于自然客体的，因为自然是艺术的本源。然而艺术家又有着充分的主体性和创造性。就这一点来说，艺术创作是主体心灵对客观世界的投入，是人对物的征服，而艺术世界则是艺术家对自然世界的加工、改造和再创造。
因此，艺术作为人主体精神的实现和外化的生命活动，离开了作为创造主体的艺术家无疑是不可思议的。就像歌德说的那样:“艺术家对于 自然构成了一种双重的关系" ;“ 他同时是她的主人和奴隶;当他使这些尘世的手段服从于他的更高目的，使她为他服务时，他是她的主人”。
就此看，艺术作品作为一个有生命的整体，不是给接受者一幅生动的画面，更不是一个现成的结论，而是能够唤起真与善乃至生命的和谐。画家知觉本身是选择性的，而且我们感觉的生动性并不依赖于是否包罗全部细节，而是取决于排除不必要的细节。这个细节中包含着自然和对自然的人为选择。画家的任务是选择出有重要意义的细节，并以有意义的构思把它组合起来。这是一个组织问题而不是精确问题，是印象问题而不是模仿问题。
从后印象派开始，艺术就打上了主观的烙印。在他们的绘画中，艺术家把放在外在事物身上的眼光一下子收了回来，从生命的内在感受的真实性出发的艺术从此开始。艺术在人与自然的融合。上向生命主体移动的距离越来越近，直到彻底走向生命之内，外在的自然物就成了以生命为轴心的内在自然感觉物。由此发展起来的立体主义、表现主义、抽象主义等更是注意主体生命的内在真实感受。艺术中作为感性而存在的外在事物也就丧失了它的客观真实形态，完全听由心灵的安排和组合。但是我们不能说现代绘画和当代的后现代绘画完全抛弃了自然形态和自然材料，这是不对的。因为任何艺术形式原本就有自然参照的意义，只不过自然形态的作用被弱化了，被肢解与被利用。自然材料却是个很好的东西，而成就了当代艺术，使当代艺术变得异常丰富和具有生命力。有时却很无奈，因为自然的约束会使艺术变得千人一面。 好在每个时期都有对自然的不同理解与解读。
在这里，在艺术演变的过程中，我们感到愈异则愈同，艺术的纯正性还是用罗斯金提出的方法来测验。艺术是人类的，没有任何东西能取代艺术。艺术最本质的东西不是形象和色彩，不是题材和样式，也无所谓具象、表现与抽象，也不能说只有观念的艺术才是最好的艺术。其实艺术的最终目的是让人们认识善良与美好，认识人类最终的人性关怀，因为只有艺术语言没有国界，是最自然的交流方式，自然得让人类拥有更美好的东西。远离战争，远离邪恶，也许这就是艺术最自然的结果。
[参考文献]
[2]孙正荃，《艺术的失落》( 第1版)，上海:学林出版社，1994年，P8-66。
[3]常宁生， 《反叛与超越》(第1版第一次)，上海:东方出版中心，2000年，P16-21。
[4]康定斯基，《艺术中的精神》(第1版第一次)，云南:人民出版社，1999年，P16-28。